Mitgefühl mit allen Lebewesen

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Sinnbildlich für die Kunst des alten Ägypten sind die prächtigen Schätze des Grabes von Tutanchamun, die Große Sphinx von Gizeh, die nubischen Monumente von Abu Simbel, die riesigen Steinskulpturen, die wie aus der Wüste selbst aufragen, einige von ihnen tragen menschliche Gesichter, gleichzeitig heiter und unheimlich – weder völlig stilisiert noch völlig realistisch. Ebenso symbolträchtig sind die wunderbaren Wandmalereien, die über Jahrtausende in der dunklen, trockenen Luft antiker Gräber und Leichenkapellen aufbewahrt wurden.

Schon als ich sie zum ersten Mal gesehen habe, haben mich Bilder in Büchern, Gemälden und Skulpturen wie diese schon immer fasziniert. Die Kunst des alten Ägypten ist wie ein Fenster in eine andere Welt, eine Welt, die anders zu sein scheint als unsere eigene.

Die Welt der altägyptischen Kunst scheint eine Welt zu sein, die von Menschen, Tieren und anthropomorphen Wesen bevölkert ist. Jede Figur blickt in die eine oder andere Richtung. Objekte sind praktisch nicht von Symbolen zu unterscheiden. Zu den bekanntesten Merkmalen der altägyptischen Kunst gehört diese höchst konventionelle Art, eine Szene zu komponieren, so flach wie ein Blatt Papyrus.

Als ich anfing, etwas über altägyptische Kunst zu lernen, fragte ich mich:

Wer waren diese Künstler? Warum haben sie sich entschieden, die Welt auf diese Weise darzustellen? Und warum haben sie dies über Jahrtausende hinweg so konsequent getan?

Passt perfekt

Im alten Ägypten war Kunst Zierde. Bereits in der prädynastischen Zeit sammelten Arbeiter grobe Kalksteinblöcke und formten sie zu architektonischen Formen, um Gebäude zu schmücken. Schon damals waren filigrane Amulette und aufwendig geschnitzte Messergriffe aus Elfenbein in Mode.

In Wohlstandsjahren wuchs der Weizen im trockenen Schlamm dicht und hoch, und je mehr von dieser Ernte gesammelt und verkauft wurde, desto mehr Holzarbeiter, Möbelhersteller und Schmuckhersteller fanden in den blühenden Städten und Siedlungen wohlhabende Gönner tauchen an den wimmelnden Ufern des lebenswichtigen Nils auf.

Zur Zeit der Vereinigung des Alten Reiches kehrten altägyptische Händler mit riesigen Vorräten an edlem Zedernholz aus Syrien zurück. Gold kam aus dem Sudan. Himmlisch blaue Lapislazuli-Scherben kamen aus den Bergen Afghanistans. Als sich die Kultur und Wirtschaft des Königreichs der beiden Länder zu entwickeln und zu wachsen begann, ließen Machthaber und Priester ausgefallene Gläser und Serviergeschirr in Auftrag geben. Sie schmückten ihre Paläste und Tempel mit immer spektakuläreren Dekorationen, immer gigantischeren Wandreliefs und immer bunter bemalten, mit Intarsien und Edelsteinen besetzten Skulpturen aus Holz.

Vergoldete Möbel verschönerten einen Raum – oder ein Grab. Im Neuen Reich gab es reichlich Schmuck für den Körper in Form von Schmuck und Amuletten. Dynastien stiegen und fielen, bestimmte Kunststile kamen und gingen, aber für die vielen verschiedenen Arten von Künstlern, die in dieser Zeit lebten und arbeiteten und eine besondere Rolle bei der Reproduktion der altägyptischen Welt spielten, blieb vieles gleich.

Eine Handvoll Hinweise bieten verlockende Einblicke, wer diese Künstler waren und wie sie arbeiteten. Um beispielsweise mit der Arbeit an einer Figur zu beginnen, wissen wir aus erhaltenen Skizzen, dass ein altägyptischer Künstler zunächst ein Raster auf ein Papyrusblatt oder eine Steinplatte zeichnete. Um eine stehende Figur darzustellen, teilte der Künstler die Fläche in achtzehn Quadratreihen ein. Nach dieser Technik würde der Abstand vom Haaransatz bis zum Hals zwei Reihen einnehmen; vom Hals bis zu den Knien zehn Reihen; und so weiter. (Später wurde die Anzahl der für die Darstellung einer stehenden Figur vorgeschriebenen Reihen auf einundzwanzig erhöht.)

Quadratische Papyrusblätter und gerasterte Steinplatten halfen Künstlern dabei, korrekt proportionierte Figuren für Gemälde und Reliefs zu erstellen, während ein Gips- oder Steinmodell als Leitfaden für eine freistehende Skulptur diente, wobei die Quadrate auf der Rückseite der Figur nachgezeichnet wurden. Einer alten Geschichte zufolge arbeiteten einst zwei Bildhauer an einer Statue zusammen und schufen jeweils eine Hälfte. Die Bildhauer erstellten das Raster, das die Figur in ihre Einzelteile unterteilte, und als jeder Bildhauer seinen Teil der Arbeit fertiggestellt hatte, fügten sie die beiden Hälften zusammen – es passte perfekt!

Spezialisierung in jedem Bereich

Im alten Ägypten war der künstlerische Prozess ein kooperativer Prozess. Jedes Kunstwerk war das Produkt eines Workshops. Jedes Kunstwerk war das Ergebnis der gemeinsamen Anstrengungen eines ganzen Teams von Arbeitern. Es war nicht die Schöpfung eines einzelnen Künstlers.

In einem typischen Workshop gab es eine Reihe unterschiedlicher Rollen. In einer Bildhauerwerkstatt beispielsweise schufen ein oder mehrere Bildhauer originelle Entwürfe aus Ton. Andere reproduzierten diese Entwürfe in Gips. Einige Bildhauer könnten sich auf das Schnitzen von Stein spezialisieren. Einige könnten sich auf die Schaffung von Reliefs spezialisieren. Andere würden damit beauftragt, die Skulpturen fertigzustellen und zu polieren.

Die Kunst des Goldschmucks hatte ihre eigenen Fachkategorien. Es gab Arbeiter, die das Gold wuschen, und es gab Arbeiter, die es einschmolzen. Es gab Arbeiter, die das Gold formten, und wieder andere, die Edelsteine ​​polierten oder Emaillearbeiten durchführten. In einer großen Werkstatt gab es sogar eine ganze Kategorie von Arbeitern, die dafür verantwortlich waren, Perlen auf Schnüre aufzufädeln.

Künstler wie diese wurden als Handwerker behandelt. Als solche galten sie im Allgemeinen als Angehörige derselben sozialen Klasse wie viele andere Arbeiter, darunter Zimmerleute, Bäcker, Brauer, Weber, Färber und Schneider. Wie viele andere Arbeiter gehörten auch Künstler Berufsverbänden an, die in gewisser Weise den späteren Handwerkszünften ähnelten.

Viertausend Jahre alte Holzstatuetten zeigen gewöhnliche Menschen bei alltäglichen Beschäftigungen: einen Bauern, der ein Feld pflügt. Eine Frau mahlt mit einem kleinen Stein Getreide. Ein Holzfäller, der eine Axt hebt. Ein Fischerpaar beim Einholen eines Netzes. Die Bewegungen der Figuren werden hervorragend und realistisch dargestellt. Der altägyptische Künstler betrachtete einen Schreiber, einen Jäger, einen Fischer oder einen Bauern und reduzierte die Bewegung der Figur auf eine bestimmte Geste.

Warum die Bewegung einer Figur auf eine bestimmte Geste reduzieren? Einen Sinn fürs Ziel etablieren. Eine Verpflichtung zur Ordnung zum Ausdruck bringen; das heißt, ein typisches altägyptisches Ideal darzustellen, das eine Spezialisierung in allen Bereichen erforderte.

Im alten Ägypten wurde angenommen, dass der Bauer eine besondere Rolle bei der Reproduktion der Welt spielte – genauso wie der Schreiber seine Rolle hatte, genau wie der Bäcker, der Brauer, der Holzfäller, der Zimmermann, der Weber, der Färber, der Schneider , oder der Pharao selbst.

Innerhalb dieses allumfassenden Systems war die Rolle des Künstlers so klar definiert wie jedes andere. So wie vom Bauern erwartet wurde, dass er bei der Bereitstellung von Nahrungsmitteln auf etablierte Techniken zurückgreift, wurde vom Künstler erwartet, dass er bei der Bereitstellung von Ornamenten auf etablierte Techniken zurückgreift: Ornamente für Staatsgebäude, Ornamente für Heimtextilien, Ornamente für Privatgräber und Ornamente für die menschlicher Körper. Wenn man eine wesentliche Geste des Künstlers vorschlagen würde, wäre es vielleicht die Dekoration gewesen.

Die Substanz der Unsterblichkeit

Was ist der Zweck der Kunst? Für die alten Ägypter war der Zweck der Kunst die Zierde; und doch war dieser Zweck für sie oft nicht von einem anderen, noch wichtigeren Zweck zu unterscheiden: dem Zweck des göttlichen Schutzes.

Im alten Ägypten gab es göttlichen Schutz in allen Formen und Größen, doch am stärksten konzentrierte sich dieser Glaube in der Kunst des altägyptischen Amuletts. Kleine, tragbare und außergewöhnlich schöne altägyptische Amulette scheinen an Halsketten getragen oder an der Kleidung befestigt worden zu sein, wo sie nahe am Körper gehalten werden konnten, wo ihre Magie vielleicht am wirksamsten war.

Exquisit gefertigte Stücke, einige Amulette bestehen aus zarten Gold- und Silbersträngen; Viele der schillerndsten Beispiele sind jedoch tatsächlich Keramik sowie Menschen- und Tierfiguren, die in verschiedenen lebhaften Haltungen geformt und in wunderbar leuchtenden Farben glasiert sind.

Von allen verfügbaren Materialien war eines garantiert langlebig – Stein – und das war für die alten Ägypter von großer Bedeutung. Platten aus formbarem Gestein gehörten zu den wertvollsten Materialien überhaupt und waren die Substanz der Unsterblichkeit selbst.

Laut dem Kunsthistoriker Germain Bazin, Chefkurator des Louvre-Museums, war die Kunst des alten Ägypten „in erster Linie eine Wandmalerei“. Er vermutet, dass die Ursprünge dieser besonderen Konventionen in prähistorischen Felsgravuren und Malereien liegen könnten, in einer alten Art, die Welt zu sehen.

Bazin: „Wandkunst verwendet hauptsächlich Profile; sie entsteht aus dem Schauspiel der vergänglichen Realität. Jede der wahrgenommenen Realität entlehnte Form wird jedoch nicht so registriert, wie sie gesehen wird, sondern im gleichen Geist der Synthese wie im Paläolithikum neu zusammengesetzt.“ Maler. Die Art und Weise, wie die menschliche Figur in ägyptischen Reliefs erscheint, zeigt den Wunsch, basierend auf den Anforderungen der Magie, das Ganze eines Menschen darzustellen, das heißt einen Mann in seiner ontologischen und nicht in seiner optischen Wahrheit: Gesicht und Beine im Profil , Hüfte in Dreiviertelansicht, Oberkörper in Vorderansicht und auch das Auge, vergrößert, als ob es die Seele widerspiegeln würde.

Mitgefühl mit allen Lebewesen

Schon zu Beginn des Zeitalters der großen Pyramidenbauer basierte die Arbeit eines Künstlers auf einer jahrtausendealten Tradition. Es basierte auf einer prähistorischen Tradition von Petroglyphen und bemalten Felswänden. Es beinhaltete heilige Geometrie und andere „Anforderungen der Magie“.

Im alten Ägypten war die Arbeit des Künstlers die eines Handwerkers, und Handwerk war nicht von Ritualen zu unterscheiden. Kunst war eine Möglichkeit, eine Form des göttlichen Schutzes zu kanalisieren und die Realität darzustellen – sichtbar und unsichtbar.

Sowohl für Künstler als auch für Betrachter bietet die Kunst des alten Ägypten die Möglichkeit, durch die fruchtbaren Felder der großen Vielfalt des Daseins zu streifen und etwas vom Wesen jedes Dings zu erfassen. Die Quelle seiner Magie ist das Leben selbst.

So bekannt viele der Artefakte des alten Ägypten heute auch sind, wird in einer kurzen Geschichte der Bildhauerei dieser Zeitraum oft außer Acht gelassen und Beispiele aus späteren Perioden der mediterranen Zivilisation bevorzugt. Selbst in ausführlicheren Betrachtungen zur Geschichte der Skulptur wird die Skulptur des alten Ägypten laut meinem Vater, dem Bildhauer Frederick Hart, tendenziell „unterschätzt“. (Dennoch hatte die altägyptische Kunst großen Einfluss auf ihn und viele andere Künstler des 20. Jahrhunderts, wie zum Beispiel Francisco Zúñiga.)

Für mich bietet die Kunst des alten Ägypten eine Feier des Lebens. Es feiert die menschliche Erfahrung. Es feiert die Vitalität und Vielfalt des Seins. Es singt eine Ode an den bescheidenen Käfer. Ein Lobgesang auf den fliegenden Falken. Eine Hommage an das riesige Krokodil. Eine Hommage an den flinken Schakal.

„Wenn all diese Kreaturen so lebendig erscheinen“, schreibt Bazin, „dann liegt das daran, dass der Künstler, der sie geschaffen hat, tiefes Mitgefühl für alle Lebewesen hatte.“

Bazin, Germaine. Die Geschichte der Weltskulptur. New York Graphic Society, Greenwich (1968), übersetzt von Madeline Jay.

Michalowski, Kazimierz. Kunst des alten Ägypten. Harry N. Abrams, New York (1968), übersetzt von Norbert Guterman.

Auslöser, Bruce. Frühe Zivilisationen verstehen. Cambridge (2003).

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